LAGHONIA - GLUE (Mag (Perú), 1968 / Lazarus Audio Products (USA), 1998)
Este es un album excepcional de principio a fin. Un concepto de belleza cuidado al mínimo detalle. Laghonia aparece en la escena peruana a mediados de los 60s sobre las bases de lo que fue New Juggler Sound. Dirigida por los hermanos Saúl y Manuel Cornejo, la banda logra consolidarse cuando reclutan al cantante y guitarrista estadounidense Davey Levene.
La adquisición de un organo Hammond B2 con su leslie, fue fundamental en la arquitectura sónica que los músicos buscaban, tocado magistralmente por Carlos Salom, la banda despegó a estratósferas desconocidas imponiendo un estilo muy original y avanzado para la época.
"Baby, Baby" me refresca el espíritu simplista de los Beatles mientras que "I Must Go" es tan dulce y pegajosa como el chicle que estoy masticando, ambas piezas rescatadas de los tiempos en NJS. Pero cuando suenan "Neighbor" y "The sand Man" te das cuenta del gran espaldarazo que impone el nuevo cantante y el organo Hammond. A partir de aqui Laghonia empieza a sonar como una banda grande conformada por prodigios. "Billy Morsa" suena en clave latino y lleva un beat contagioso, en cambio "Trouble Child" mantiene el formato beat, pero sorprende el cambio de ritmo que decanta en una salvaje fuga similar a la de "Psychotic Reaction" de los Count five. Aqui el baterista Alex Abad se luce con sincopados delirantes.
"My Love" es conmovedora y bellísssima. "And I Saw Her Waiting" vuelve a la clave latina, "Glue" es una maraña de super punteos de guitarra y "Bahia" debió haber sido el perfecto final de las presentaciones en vivo, en medio de la fiesta y el desenfreno por el baile a go go, Eddy Sarauz marca su línea de bajo con un ritmo enfermazo mientras los demás corean el estribillo al unísono.
A grandes rasgos un album de vital importancia que indentifica el sonido peruano en cualquier parte del mundo, fue relanzado a fines de los 90s por sellos estadounidenses, ingleses y alemanes y hace unos meses el sello peruano Repsychled Records publicó una nueva edición del mismo incluyendo rarezas y takes no oficiales.
BOB DYLAN - TOGETHER THROUGH LIFE (Columbia Records, 2009)
No sean huevones para pensar que los mejores albumes de un artista son sus cinco primeras producciones, rompan con ese cojudíssimo cliché. No subestimen a los viejos!, por el contrario, préstenle más atención a lo que hacen en la última etapa de sus vidas.
Un tipazo como Bob Dylan que fue pieza fundamental en la construcción de esto que llamamos rock n roll, siempre nos va a sacar un conejo del sombrero, no podía dejar de sorprendernos y nos mantuvo en vilo desde que la revista Rolling Stone anunciara a principios de 2009, la grabación de un nuevo album. Cuando se develó el misterio, parió en abril el tremendo "Together Through Life", trigesimo tercer album de la carrera del gran "Bobby".
Grabado en directo en el estudio, las sesiones del album empezaron con el pedido de una canción por parte del cineasta Olivier Dahan para su pelicula "My Own Love Song". El bueno de "Bobby" le ofreció "Life Is hard" y desde entonces el músico cogió viada para la composición y nadie lo pudo parar hasta el lanzamiento del album.
"Together Through Life" más parece una restrospectiva hacia las raíces que evoca los tiempos del Chicago Blues, "Bobby" jazzea, toca blues, canta con la voz más aguardientosa y crapularia que nunca, se reune con viejos amigos como Robert Hunter de Grateful Dead e incluso con el chicano David Hidalgo de Los Lobos para lograr un sonido añejo similar a las grabaciones del sello Chess Records.
Número uno en EEUU, número uno en Reino Unido, número uno en otras partes del mundo, grandes elogios de los especialistas en música, ¿qué más se puede decir de éste viejo zorro?, simplemente hazle un homenaje escuchando éste album de principio a fin y prestale atención a temas como Beyond Here Lies Nothin´, Jolene, My Wife Home Town y I Feel A Change Comin´ On.
THE STONE ROSES - THE VERY BEST (Silvertone, 2002)
En ésta producción las canciones del combo de Manchester suenan con un brillo exquisito. Definitivamente la remasterización de las canciones logra un plus importante en la reconfirmación que los Stone Roses no solo fueron uno de los grandes animadores de la cultura desquiciada de "Madchester" sino que además dejaron un legado de identidad al sonido británico. Por eso con considerados una super banda de culto.
Siempre resulta un enorme placer escuchar "I Wanna Be Adored", "Fools Gold", "Begging You", "Breaking In To Heaven" y "One Love". Lástima que apenas grabaran dos albumes, lástima que hubieran tantos desacuerdos entre sus integrantes, me pregunto cual hubiera sido el sonido de los Stone Roses si el cantante y lider de la banda, Ian Brown, hubiera aceptado la oferta que le hiciera Slash para tocar la guitarra en reemplazo de John Squire en 1996.
Quizás tenga que pasar un buen tiempo para que los muchachos vuelvan a juntarse, al menos aún siguen siendo amigos y entre ellos se dan la mano en colaboraciones para sus proyectos solistas. Los Stone Roses es la banda que moldeó el sonido que caracteriza a la corriente Britpop de hoy, sin ellos no hubieran aparecido ni Blur, ni Oasis, ni Coldplay.
Tras su salida de la banda John Squire formó The Seahorses, por su parte, el bajista Gary Mounfield aka "Mani" pasó a las filas de esa otra bandota llamada Primal Scream y Ian Brown, viene consolidado su carrera solista con cinco albumes publicados y haciendo giras alrededor del mundo. Solo para entender un poco más de quienes estamos hablando.
THE TING TINGS - "WE STARTED NOTHING" (Columbia Records, 2008)
En los inicios, el dúo de Manchester conformado por Jules Martino (batería y coros) y Katie White (voz, guitarra y contrabajo) se la pasó tocando en fiestas privadas para promover su música. Siempre se mantuvieron al margen del vampiresco negociado de los sellos convencionales y optaron por publicar sus primeras canciones en sellos independientes. El éxito inesperado del single "That´s Not My Name" en 2007 los llevó a debutar ese mismo año en el festival de Glastonbury logrando el reconomciento de la critica especializada e inusitadas simpatías de revistas como NME y la cadena de tiendas HMV.
De aqui en adelante vendrían nuevas composiciones como el single "Great Dj" del cual se publican 5 mil ejemplares en formato vinilo desatando frenesí en las pistas de baile del Reino Unido por la poderosa textura pop-indie-disco que posee. La secuela de éste impacto la podemos notar en "Shut Up And Let Me Go" una canción de similar calaña.
"We Started Nothing" no es más que la consolidación de una nueva promesa de la música. A los Ting Tings les espera mucho trabajo en la elaboración de un segundo album, tienen el gran reto de superar ésta primera entrega.
YEAH, YEAH, YEAHS - FEVER TO TELL (Interscope/Fiction Records, 2003)
Si hacemos un recuento de los mejores albumes de la década, creo que el consenso sería general, el "Fever To Tell" de los neoyorkinos Yeah Yeah Yeahs debe estar entre los 10 primeros de la lista. Algunos especialistas aseguran que lo que hacen es Avant-Punk, por relacionar el estilo de la banda con la movida de Ohio. Pero otros los catalogan simplemente como una banda de Garage Indie, lo cierto es que Yeah Yeah Yeahs, es una máquina de hacer ruido imparable influenciado fuertemente por el sonido de las bandas de Garage y Proto-Punk de los 60s, la New Wave, la onda Disco Punk de los 80s y por supuesto, el Noise de los 90s.
Apenas escuchas el primer track "Rich" te das cuenta que se trata de un album cargado de música supranormal. Karen O canta con desenfado arañando la garganta con furia, los sincopados de Brian Chase son precisos y retumbantes, mientras que Nick Zinner toca la guitarra con harto efecto alternando riffs pesados con punteos primigenios que cubren perfectamente la ausencia de bajo.
"Date With The Night", es pura dinamita. "Man", por ejemplo, es el eslabón que faltaba para cubrir el puente entre el funky de James Brown y el noise de Sonic Youth. "Maps" en cambio, es la más radiable del album, Karen O canta como las diosas y emula a su fuente de inspiración, Chrissie Hynde de The Pretenders.
Qué decir de "Y Control", si te digo que es la mejor del album, pensarás que te estoy hueveando, mejor consigue el disco, escuchala y quizás me darás la razón escribiendo un comment en ésta entrada, solo para acabar con la idea, me queda claro que "Y Control" hace los méritos absolutos para que "Fever To Tell" sea considerado un acto imprescindible de ésta década.
THE DARKSIDE - ALL THAT NOISE (Beggars Banquet/Situation Two Records, 1990)
Es uno de mis discos fundamentales de toda la vida. Escuché a The Darkside por primera vez en el lejaníssimo 1994 al practicar las baterías de "Guitar Voodoo" y "Don´t Stop The Rain" durante los ensayos del período iniciático de Hipnoascención, la banda emblemática del circuito sicodelico underground limeño que comandan el loco Hugo y el superincreible, fantástico y estereofónico Juan Javier.
Es un album guitarrero por excelencia, turbante de principio a fin por las candencias hipnóticas que contiene, pleno en arpegios, wahs wahs, beat a go go, bajo enfermo, baterías jazzeras y espaciales, teclados sutiles y atmósferas oscuras. Tras la separación de los legendarios Spacemen 3, al bajista Pete Bain aka "Bassman" se le ocurrió formar una nueva banda que le diera inspiración para recrear nuevos sonidos con fundamentos clásicos de la primera era sicodelica del rock.
Recluta al baterista Stewart "Rosco" Rosswell quien le cede la posta a Craig Wagstaff, luego de asumir los teclados y al guitarrista Kevin Cowan logrando un mágico ensamble que duraría poco tiempo, pero que irradiaría suficiente intensidad al darle forma a un estilo inusual en plena explosión discotequera de "Madchester" y los albores del "grunge". Grabado en los estudios Abbatoir y Woodbine Street, Birminghan, UK entre junio y agosto de 1990, "All That Noise" reivindica la sicodelia y el space rock en un tiempo totalmente impropio para la época de su lanzamiento. Es un album de culto, obra maestra universal que todo melómano debe escuchar.
Prestar atención a las maravillosas "Guitar Voodoo", "She Don´t Come", "Good For Me", "Don´t Stop The Rain", "Soul Deep" y "Waiting For The Angels". Son un vuelo total!
EASY TEMPO Vol.2 - "THE PSYCHO BEAT" (varios)(Right Tempo 1996)
Es una colección de una decena de discos que recopila soundtracks de peliculas italianas de los años 60s. En éste volumen 2 encontramos piezas que sirvieron de fondo en películas de corte erótico, spaguetti western y espionaje europeas. Son piezas de estilo jazzero, con arreglos orquestales, hay mucho beat, mucho funky y sicodelia demencial donde el organo hammond, la guitarra fuzz, las baterías trepidantes, los bajos enfermos y el sitar enloquecido son un deleite constante.
Son piezas elaboradas por directores como Piero Umiliani (1926-2001); autor de la inquietante "Fotomodelle", Nino de Luca; uno de los principales protagonistas de ésta serie que devela una creatividad terriblemente ingeniosa en "Rapimento In Sicilia" y "La Ragazza Con La Pistola" en la que aflora una delirante voz masculina que exclama repetidas veces "Girrrl With The Gun".
También estan Mario Molino con la espacial "Jerk Beat", Leo Selmoco Orchestra luciendo desmedidamente su organo Hammond en "Blue Media", Cesco Anselmo que presenta la delirante "Hurricane" entre otros números bien lisérgicos que por momentos te hacen imaginar que te encuentras metido en una tira de comic o en un viejo cine de barrio donde pasan peliculas absurdas de serie b. Altamente recomendable para esas tardes de domingo en que tomas una siesta.
LINK WRAY - "ROCK N´ RUMBLE" (Hallmark, 1998)
Vuelvo a escuchar a Link Wray desde el momento que lo descubrí allá en el lejano 1998. Aquel disco raro y abandonado que adquirí del escaparate de remates de una discotienda de Larcomar -sin tener ninguna noción del artista y sin haber escuchado el disco- resultó ser una pieza de incalculable valor histórico que estaba predestinado pasar a mis manos como por arte de magia.
Link Wray es una gran fuente de inspiración y sobre todo un punto cardinal de orientación en el caso que desees formar una banda de rock n roll. Link Wray era un maestro usando el trémolo e inventó el "Power Chord", ese maravilloso "riff" de guitarra que une a la quinta con la sexta y que desprende una poderosa descarga de agresividad.
Link Wray era un indio Shawnee que, se decía de él, había sido poseído por el diablo, lo cierto es que poseía un instinto musical muy salvaje para la época. Cuenta la historia que cuando se prestaba a tocar en un evento donde como antesala había una pelea, Link Wray improvisó en el acto dándole vida a una canción que más parece una marcha fúnebre, me refiero a "Rumble" (1958), pieza fundamental para comprender de donde Pete Townshend y Ray Davies se inspiraron para sacar esos sonidos salvajes a sus guitarras siete años después.
Pero ahi no queda la obra de Link Wray, también tiene para mostrarte otras gracias que suenan a garage, proto beat y proto surf en los casos de "Mustang", "Jack The Ripper", "Ace Of Spades", "Black Widow", a horror; "The Shadows Knows" y a salvaje rockabilly; "Hey Bo Diddley". Link Wray es uno de los héroes máximos del Rock n Roll.
IGGY POP - PRELIMINAIRES (Astralwerks/Virgin, 2009)
Desconcierto y extrañeza te causará escuchar al señor Pop convertido en un crooner francés, sin embargo, dejame decirte que ésta faceta poco conocida de "La Iguana" es realmente una exquisitez. Quizás la repentina muerte de su amigo el guitarrista Ron Asheton (The Stooges) tenga mucho que ver en éste quiebre emocional. El señor Pop se encerró en el cuarto de un hotel de la costa francesa para leer "La Posibilidad De Una Isla" de Michel Houllebecq y el resultado es notoriamente conmovedor.
Iggy Pop ha sabido plasmar un talento poco conocido para otros géneros y vaya qué talento! modula la voz como Serge Gainsbourg en "Les Feuilles Mortes" de Jacques Prévert, bluesea en "He´s Dead/She´s alive", jazzea como Luis Armstrong en "King Of The Dogs", canta con tristeza de suicida en "Spanish Coast" y sorprende con una versión intimista de "How Insensitive" del brasileño Antonio Carlos Jobim, quizás los motores sensoriales más importantes de ésta última entrega en solitario.
El motivo de la publicación de un album como este tiene una explicación, Iggy Pop dice estar "harto de escuchar a un puñado de brutos idiotas golpeando guitarras para hacer música mala", nada más cierto cuando nos damos cuenta que el punk de hoy es un estilo totalmente revendido. ¿Qué se puede esperar de un precursor del punk cuya naturaleza contestataria permanece incólume a sus 62 años de edad? pues obviamente, romper el esquema, contra todo pronóstico.
En líneas generales, Iggy Pop corrobora una vez más su categoría de grande entre los grandes, "Préliminaires" es un album de culto, no me quepa la menor duda aunque sea muy temprano para decirlo, en todo caso, habría que esperar que el tiempo dicte su veredicto.
THE ROOTS OF CHICHA - Psychedelic Cumbias From Perú.(Varios)(Barbés Records, 2007)
Desarticulación de la cumbia colombiana, canto con sentimiento andino, influencia de la guajira cubana, reinterpretación de los ritmos tribales amazónicos peruanos, guitarras surf de California, pedales wah wah, órganos farfisa y moog, pelos largos con raya al costado, Marihuana, Ayahuasca, camisas coloridas, descargas de boogaloo, ¿resultado?... música endemoniadamente achorada, asi empezó la "Chicha". He aqui un album que a su salida, ocasionó una gran revolución a nivel internacional. "Se trata del subgénero más emocionante que aparece en la música en los últimos años" lo dijo en su momento, Robert Christagau, crítico que durante décadas editó la sección musical del célebre semanario neoyorquino "Village Voice".
Y desde entonces se dio por finalizado un debate que nos mantuvo a los peruanos distraidos por el uso adecuado o inadecuado de la palabra "Chicha". Lo cierto es que el movimiento tropical peruano, debia ya, hace años, dar un batacazo en el mercado internacional, pero sin un nombre original que lo identifique, era imposible competir con otros ritmos conocidos.
"Boogaloo Peruano", "Cumbia Peruana", "Cumbia Beat", "Cumbia Psicodélica" quizás sean denominaciones correctas, pero no tiene ningún sesgo original para su reconocimiento, en cambio, la palabra "Chicha", sí. Hay que saludar con gratitud que un sello como Barbés Records haya publicado un album con uno de los géneros musicales más originales que el Perú haya aportado a la humanidad. Sin duda.
Queda claro que la manera de medir el impacto de la música se da inexorablemente por su expansión en el ámbito internacional, tiene que darse necesariamente un rebote mediático para que un estilo musical cobre fuerza e interés masivo. Aqui, el legado de Los Destellos, Los Diablos Rojos, Los Mirlos, Juaneco & Su Combo, Los Hijos del Sol y Eusebio & Su Banjo suenan mas contundentes que nunca. Los protagonistas del denonimado "Poder Verde" -movimiento tropicalista que se desarrolló desde fines de los 60s hasta mediados de los 70s- vuelven a la escena no para reavivar su influencia en los pueblos ignotos de la selva peruana, colombiana o brasileña, sino ésta vez para conquistar el mundo.
Prestar atención al "Sonido Amazónico" de Los Mirlos, el erotismo de "Vacilando Con Ayahuasca" de Juaneco y Su Combo, el achoramiento y los cambios de ritmo en "Sácalo" y "El Guapo" de Los Diablos Rojos, el insuperable beat de Los Destellos que aparecen con la sensacional "A Patricia" y la magistral "Para Elisa" en la que Enrique Delgado comparte créditos con Ludwig Van Beethoven. Vaya, qué golazos, épocas en que Perú jugaba muy bonito.
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